{"id":46187,"date":"2000-01-01T00:00:00","date_gmt":"2000-01-01T00:00:00","guid":{"rendered":"https:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/archivos\/46187"},"modified":"2026-03-10T08:34:54","modified_gmt":"2026-03-10T08:34:54","slug":"arte-joven-en-nueva-york-young-new-york-art-de-radical-a-establecido","status":"publish","type":"post","link":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/arte-joven-en-nueva-york-young-new-york-art-de-radical-a-establecido\/","title":{"rendered":"Arte joven en Nueva York \/ Young New York Art. De radical a establecido"},"content":{"rendered":"

Autor:<\/strong> Bruno Lemieux-Ruibal<\/p>\n

Revista:<\/strong> L\u00c1PIZ Revista Internacional de Arte n\u00ba 218<\/p>\n\n

De radical a lo establecido – Bruno LeMieux-Ruibal<\/b><\/p>\n

Veamos la historia de Dana Schutz: nacida en Michigan en 1976 y reci\u00e9n graduada del afamado M\u00e1ster de Bellas Artes de Columbia University, pint\u00f3 su monumental lienzo Presentation <\/em> (2005) pensando en su inclusi\u00f3n en Greater New York 2005, la enorme muestra de arte joven de Nueva York organizada por el ps 1 \/ moma que tuvo lugar de marzo a septiembre de este a\u00f1o 2005. Los comisarios hicieron de Schutz y su cuadro gigante el centro de la muestra; casi todos los cr\u00edticos que atacaron, con furia y en masa, la exposici\u00f3n en conjunto mostraron su pasi\u00f3n por la pintura de la artista. Coleccionistas poderosos donaron la obra al Museum of Modern Art. Siete d\u00edas antes de que Greater New York 2005 cerrara en ps 1 Contemporary Art Center, el cuadro de Dana Schutz finaliz\u00f3 su proceso de asimilaci\u00f3n en el sistema del arte corporativo al ser llevado de Long Island City (hogar del ps 1 ) a Manhattan (domicilio del poderoso m o ma ) para ser exhibido durante nueve meses en Take Two <\/em>, el segundo montaje de la colecci\u00f3n de arte contempor\u00e1neo del Modern. <\/p>\n

El hueco dejado en Greater New York fue cubierto con otro lienzo de gran formato, pr\u00e9stamo de un prominente coleccionista y mecenas del arte joven que es tambi\u00e9n patrono del m o ma . Dana Schutz sigue viviendo en el mismo estudio en la parte oeste de Harlem, rechazando el reclamo de importantes galer\u00edas desesperadas por contratarla. Doce de sus pinturas est\u00e1n en la Saatchi Collection de Londres, expuestas como parte de la serie The Triumph of Painting <\/em>. <\/p>\n

La vida y el arte de Dana Schutz, preparados para, y absorbidos instant\u00e1neamente por, un mercado insaciable en busca de artistas j\u00f3venes son la encarnaci\u00f3n perfecta no solo del tipo de artista que vive y trabaja en Nueva York actualmente, sino del mundo del arte en que estamos viviendo (la ahora famosa y solicitada pintora Julie Mehretu, tambi\u00e9n residente en Harlem, fue la protagonista de una historia id\u00e9ntica: desde ser descubierta en la primera edici\u00f3n de Greater New York en el a\u00f1o 2000 hasta aparecer en el nuevo m o ma , solo que su asimilaci\u00f3n fue m\u00e1s lenta). <\/p>\n

Tiendo a comparar, probablemente de forma injusta, el Nueva York de hoy con el de finales de los sesenta y setenta. Entonces, el arte conceptual, el minimal y el land art, entre otros, nacieron de artistas inteligentes, propensos a hablar de, escribir sobre y estar comprometidos a fondo con el arte; \u201cArte\u201d concebido como un medio de expresar lo interior. Los setenta vieron una ciudad rota cercana a la ruina y autodestrucci\u00f3n debido a una severa crisis fiscal, pero cuya comunidad art\u00edstica (como nunca ha habido otra) era viva y apasionante. Lo que importaba eran el arte y las ideas, no las apariencias y contactos sociales. Todo parec\u00eda posible: entre el deterioro y la falta de dinero hab\u00eda una abundancia de creatividad y de actividad comunal y art\u00edstica. Aun en los ochenta, la \u00e9poca de la econom\u00eda reaganiana, frenes\u00ed de Wall Street y del capitalismo desenfrenado, varios artistas, en torno al East Village de Manhattan, intentaron mantener un refugio de creaci\u00f3n art\u00edstica ajeno a las pol\u00edticas establecidas de mercado y dinero. <\/p>\n

Todos ellos fueron absorbidos, y aquellos que no se plegaron a las reglas del mundo del arte comercial simplemente desaparecieron. <\/p>\n

No deber\u00eda entonces sorprender o escandalizar que los artistas j\u00f3venes que trabajan en Nueva York hoy no sean sino reflejo y reflexi\u00f3n de su tiempo. Si, como dijo el artista alem\u00e1n Wolf Vostell, \u201carte es vida, y vida es arte\u201d, la m\u00e1s reciente hornada de artistas en esta ciudad est\u00e1n respondiendo a una era de marketing exagerado en el que el dinero caliente, un mercado hambriento y el ansia de juventud crean deseos de fama instant\u00e1nea y de una carrera rentable. Si Gordon Matta-Clark y sus compa\u00f1eros en los a\u00f1os setenta crearon un arte revolucionario fuera del mercado y en una ciudad que amenazaba ruina f\u00edsica y mental, los artistas del nuevo milenio est\u00e1n trabajando en, para y por el mercado en una ciudad que luce fabulosa, donde los ricos son m\u00e1s ricos, los pobres son m\u00e1s pobres que nunca y la clase media se fue hace tiempo a los suburbios en Nueva Jersey: Manhattan parece algunas veces estar al borde de convertirse en un car\u00edsimo centro comercial para la clase alta. Esto no es el SoHo de la d\u00e9cada de los setenta.<\/p>\n

A pesar de ser Nueva York un lugar en constante cambio, donde casi nada sigue igual y a\u00f1orar el pasado tiene menos sentido que en otras partes, la actual carga que el mercado supone para el arte y los artistas est\u00e1 alcanzando niveles de asfixia (y, por tanto, de posible estallido y vuelta a la \u201cnormalidad\u201d). <\/p>\n

Para muchos, la mayor\u00eda de los artistas que trabajan en Nueva York parecen clones prefabricados. Todos quieren ser \u201cartistas\u201d, ricos y famosos, ser invitados a eventos, exponer r\u00e1pido y vender mucho, conseguir un contrato con una galer\u00eda en Chelsea. A estos artistas se los lleva una galer\u00eda y un coleccionista los compra (en m\u00e1s de un sentido) mucho antes de estar formados o maduros, y luego el museo.<\/p>\n

En nuestra presente locura por todo lo joven y supuestamente cool <\/em>, agentes de galer\u00edas ansiosas, coleccionistas y museos buscan en los programas y exposiciones de Bellas Artes de las universidades m\u00e1s prestigiosas de norteam\u00e9rica estudiantes anhelantes por abrirse paso. Se podr\u00eda decir que se reconocen mutuamente, saben que se buscan y se necesitan unos a los otros. El galerista y el artista, a menudo los dos tan j\u00f3venes como ambiciosos, profesionales como inversores de Wall Street, quiz\u00e1 incluso los dos graduados (o a punto de) por la misma universidad, uno en Bellas Artes, el otro en Administraci\u00f3n de Empresas. Trabajan juntos. <\/p>\n

La primera edici\u00f3n de Greater New York impon\u00eda como requisito a los artistas participantes no haber tenido una exposici\u00f3n individual en una galer\u00eda. La renovada edici\u00f3n de 2005 en ps 1 puso como condici\u00f3n el haber \u201cemergido\u201d desde la primera presentaci\u00f3n en 2000. Esta \u201cemergencia\u201d supone, en t\u00e9rminos de un mercado efervescente y explosivo, exactamente lo opuesto a la premisa de la primera edici\u00f3n: la mayor\u00eda de los 167 artistas incluidos en Greater New York 2005 tienen galer\u00eda. Y un artista como Ryan McGinness tiene no una, sino cinco galer\u00edas en cuatro pa\u00edses, incluido Espa\u00f1a. <\/p>\n

Aquellos artistas en esa exposici\u00f3n cuyo r\u00f3tulo no rezaba \u201ccortes\u00eda de tal galer\u00eda\u201d, rezaba entonces \u201ccortes\u00eda de tal (influyente) coleccionista privado\u201d, y muy pocos r\u00f3tulos mostraban \u201ccortes\u00eda del artista\u201d. No es extra\u00f1o, pues, pero s\u00ed desmoralizador, que de m\u00e1s de dos mil artistas que enviaron obra en una convocatoria abierta, los comisarios eligieran artistas en su mayor\u00eda \u201cconocidos\u201d y establecidos, rechazando aquellos con propuestas de inter\u00e9s, con esperanzas y sin conexiones. Los que fueron admitidos tienen no solo contratos con galer\u00edas, como se ha dicho, sino tambi\u00e9n exposiciones en museos y bienales de todo el mundo y art\u00edculos y portadas en revistas (aunque, al mismo tiempo, muchos de ellos est\u00e1n todav\u00eda estudiando). <\/p>\n

\u00bfEs \u201csano\u201d ser adquirido y exhibido por el moma a los 27 a\u00f1os, o incluso antes? <\/p>\n

Tambi\u00e9n de modo totalmente no fortuito, Greater New York se inaugur\u00f3 coincidiendo con las ferias de arte de marzo en Nueva York. Y, en efecto, la muestra era como una feria, solo que de mayor duraci\u00f3n. Un evento ordenado y profesional para que los coleccionistas elijan y los que imponen el gusto decidan qui\u00e9n reinar\u00e1 y conseguir\u00e1 fama, pero a la vez un acontecimiento que fue, por lo general, aburrido y predecible salvo por un pu\u00f1ado de inesperadas gratificaciones art\u00edsticas. Tr\u00e1gicamente, el arte \u201cemergente\u201d de Nueva York que se vio en Greater New York no emociona, ni tampoco es emergente; ni siquiera \u201cjoven\u201d. <\/p>\n

Otra de las premisas enga\u00f1osas y eventualmente falsas del nuevo arte en Nueva York es la idea misma de Nueva York. \u00bfArte neoyorkino? Esta exposici\u00f3n pod\u00eda haberse hecho en Buenos Aires, Tokio, Par\u00eds o Berl\u00edn (aunque probablemente no en Madrid), y estos artistas podr\u00edan estar trabajando, y lo est\u00e1n haciendo, en muchas ciudades de todo el mundo. No hay un \u201carte de Nueva York\u201d entendido en el sentido de un grupo de artistas trabajando mano a mano inspirados e influenciados por la ciudad. Lo que tenemos es un mont\u00f3n de artistas trabajando en la misma ciudad, pero sin compartir temas comunes o juntarse en actividades colectivas. Individualismo, aislamiento, competici\u00f3n: \u201cEl \u00e9xito es una profesi\u00f3n en Nueva York\u201d, dijo Andy Warhol, y la ciudad no es m\u00e1s una fuerza aglutinante como lo fue para Matta-Clark en el SoHo o para Kiki Smith en el East Village. Hab\u00eda entonces un sentido fuerte de pertenecer a Nueva York, una conciencia de ser un artista en la capital del mundo. Greater New York dej\u00f3 a algunos en el mundo del arte con la sospecha de que los artistas j\u00f3venes de hoy viven aqu\u00ed porque aqu\u00ed est\u00e1n el mercado y las galer\u00edas: sacando provecho de la ciudad posiblemente no en lo art\u00edstico, sino de un modo meramente econ\u00f3mico y profesional. <\/p>\n

Es extraordinaria, sin embargo, la verdadera diversidad de estos artistas j\u00f3venes. La nueva generaci\u00f3n asentada en Nueva York ya no es exclusivamente norteamericana, sino de Alemania, M\u00e9xico, Pakist\u00e1n, Eslovenia, Etiop\u00eda y de cualquier rinc\u00f3n del mundo. <\/p>\n

Respecto a los temas art\u00edsticos tratados por los \u201cemergentes\u201d en Nueva York, la falta de implicaci\u00f3n con el mundo real, en la pol\u00edtica y en otros asuntos que constituyen nuestra sociedad resulta casi escandalosa. Estos artistas parecen estar inmersos en sus mundos de felicidad y diversi\u00f3n adolescente, reflejando una \u201cjoie de vivre\u201d que puede ser sin m\u00e1s un reflejo de sus vidas: artistas j\u00f3venes, exitosos y de moda sin otras preocupaciones excepto pas\u00e1rselo bien y disfrutar. Para una ciudad que solo ahora empieza a recuperarse totalmente de la devastaci\u00f3n de los ataques del 11 de Septiembre de 2001, peri\u00f3dicamente puesta en estado de alarma y miedo por supuestas amenazas terroristas y que vive bajo la siempre presente dificultad de ser un enclave masivamente dem\u00f3crata en un pa\u00eds cada vez m\u00e1s republicano, los artistas incluidos en Greater New York 2005 demostraron estar ajenos casi por completo a asuntos espinosos de pol\u00edtica y sociedad. <\/p>\n

Este tipo de artista gozoso <\/em> que ignora la pol\u00edtica y asuntos de actualidad sigue el camino muy popular del hedonismo, la tonter\u00eda, la inanidad adolescente y la diversi\u00f3n infantil, representando ninjas, aliens, vikingos, criaturas extra\u00f1as (el Yeti fue un tema popular en la exposici\u00f3n) y otros temas de una cultura pop <\/em> y televisiva. Tambi\u00e9n se recrean en el \u201cser joven y pas\u00e1rselo bien\u201d: basan su obra en el cuerpo, mente y aficiones adolescentes, muestran una alarmante falta de profundidad y, al final, no logran trascender. Otra orientaci\u00f3n de estos artistas faltos de conciencia hist\u00f3rica es la de las manualidades: construcciones en papel y madera que recuerdan un concurso de escuela o una actividad extraescolar. Este arte de \u201ctijeras y pegamento\u201d, hecho a mano, requiere sin duda habilidad para cortar y pegar, pero, por desgracia, las obras resultantes revelan poco m\u00e1s que una superficie elaborada. <\/p>\n

Algunos de estos artistas de la manualidad inane han de ser destacados. Ryan McGinley, que no es artesano, pero s\u00ed, sin duda, vac\u00edo, fue el artista m\u00e1s joven en obtener una exposici\u00f3n individual en el Whitney Museum de Nueva York (su primera muestra europea se celebra en el musac de Le\u00f3n este oto\u00f1o). Sus fotograf\u00edas de amigos j\u00f3venes y drogados y de la \u201ccultura juvenil\u201d del Lower East Side de Manhattan siguen la estela de Nan Goldin en el East Village de los ochenta o de Wolfgang Tillmans en Londres y Berl\u00edn en los a\u00f1os noventa, y no contribuyen con nada nuevo o provocador a este manido estilo de Polaroids hechas en casa. Ian Burns expuso la que fue posiblemente la obra m\u00e1s popular entre los j\u00f3venes visitantes de Greater New York: The Epic Tour <\/em>, un circuito construido en madera con una cabina en la que el espectador puede montarse. El p\u00fablico disfrut\u00f3 mucho, pero para el cr\u00edtico era dif\u00edcil ver nada m\u00e1s all\u00e1 del factor sorpresa. El doble v\u00eddeo de adolescentes retozando en el jard\u00edn de Jen DeNike desconcertaba por su vaciedad. Saya Woolfalk ten\u00eda una sala entera para desplegar su arte: mu\u00f1ecos hechos a mano e imaginer\u00eda pop <\/em> con supuestas referencias a asuntos de raza y g\u00e9nero, pero el sitio parec\u00eda, simplemente, una habitaci\u00f3n infantil. El irritante Peter Caine se r\u00ede de todos y se llama a s\u00ed mismo \u201cartista\u201d sabiendo que provocar\u00e1 enfado. Sus tableaux <\/em> protagonizados por grandes marionetas hechas de objetos encontrados tienen mucha de la perversi\u00f3n de Paul McCarthy y del absurdo de Jake & Dinos Chapman; su completa falta de ning\u00fan sentido, salvo el de molestar, podr\u00eda ser un efecto Dad\u00e1 y su actitud de \u201cno soy artista\u201d, un necesario insulto al circo del arte, pero, en \u00faltima instancia, esto es arte probablemente y solo porque ha sido legitimado por galeristas, coleccionistas y, ahora, comisarios. <\/p>\n

Por otro lado, un sorprendentemente s\u00f3lido n\u00famero de artistas que muestran madurez y una referencia apropiacionista, respetuosa o burlona a la historia y a la historia del arte sobresalieron de entre la multitud de Greater New York. Este grupo de j\u00f3venes creadores trabajan en varios medios, sobre todo en escultura, pero tambi\u00e9n en instalaci\u00f3n, pintura, v\u00eddeo y fotograf\u00eda, lejos de trivialidades y juegos, y tratando asuntos serios sin ser repetitivos o aburridos. Graduados, al igual que la pandilla de artesanos, por las m\u00e1s prestigiosas universidades del pa\u00eds, estos importantes artistas muestran un acercamiento radicalmente diferente a la creaci\u00f3n art\u00edstica y al ser artista hoy. Su arte tiene gran consecuencia e impacto, es atrayente y estimulante, ambicioso e inquietante, con sentido. <\/p>\n

De estos, Banks Violette destaca sin esfuerzo como el m\u00e1s importante creador joven de nuestros tiempos en Nueva York, y mucho m\u00e1s all\u00e1 de la ciudad. Las esculturas incluidas en Greater New York, donde tuvo sala propia y fue aclamado por la cr\u00edtica, un\u00edan referencias a la historia del arte con innovaci\u00f3n y frescura. En las superficies relucientes y oscuras de sus esculturas de metal pulido que reflejaban a los espectadores estaban presentes las influencias de Gerhard Richter, Frank Stella o Robert Smithson. Minimalismo y maestros modernos, pero tambi\u00e9n goticismo <\/em>, oscuridad y subcultura juvenil, en esa asombrosamente s\u00f3lida mezcla de alta y baja cultura que Banks Violette domina. <\/p>\n

La impactante obra conceptual del brit\u00e1nico Adam McEwen se sit\u00faa cercana a Violette en solidez art\u00edstica. En pintura, escultura o fotograf\u00eda, McEwen cuestiona, trabaja y revisa la historia usando materiales cotidianos y ecos del alcance de John Baldessari, On Kawara, Richard Prince y F\u00e9lix Gonz\u00e1lez-Torres. En Greater New York, present\u00f3 una versi\u00f3n ampliada e invertida de la famosa fotograf\u00eda de Benito Mussolini y Clara Pettaci colgados en una plaza de Mil\u00e1n. Dram\u00e1tica y en\u00e9rgica, en ella los cuerpos adquieren una inquietante dimensi\u00f3n de viveza.<\/p>\n

El artista de performance <\/em> Clifford Owens realiz\u00f3 su obra solo un cierto n\u00famero de veces durante los casi seis meses de duraci\u00f3n de la muestra. Escondido en una angosta habitaci\u00f3n, el p\u00fablico le indicaba qu\u00e9 hacer en su \u201ccelda\u201d; el cuarto tal y como qued\u00f3 despu\u00e9s de la performance <\/em> era parte de la obra y, en verdad, reptar dentro y encontrar muros arrancados, suelos ara\u00f1ados, escombros y se\u00f1ales de violencia causaba una gran impresi\u00f3n. Marina Abramovic, G\u00fcnter Brus y el Wiener Aktionismus <\/em> (accionismo vien\u00e9s) podr\u00edan percibirse f\u00e1cilmente como referencias, pero probablemente no por un p\u00fablico norteamericano que no est\u00e1 acostumbrado al Body Art. Que este arte visceral y de ra\u00edz europea venga de un artista afroamericano hace a Clifford Owens un creador poco com\u00fan al que seguir de cerca. <\/p>\n

Tambi\u00e9n consciente de la historia del arte, pero muy norteamericano, es Mike Bouchet, cuyos estrafalarios proyectos socioart\u00edsticos miran a la historia y la pol\u00edtica, ubic\u00e1ndose entre Chris Burden y Santiago Sierra, y son, al final, absurdos y humor\u00edsticos. Su revisi\u00f3n del New York Earth Room <\/em> de Walter de Maria con tierra de la firma comercial Home Depot, en una era de marcas corporativas y centros comerciales, es un buen ejemplo. Enga\u00f1osamente artesano y adolescente, pero todo lo contrario, Marc Swanson trata temas de aislamiento y miedo en esculturas de animales que recuerdan a Bruce Nauman. Para Greater New York, escondi\u00f3 un Yeti solitario y triste en la sala de calderas del ps 1 . Metido en un rinc\u00f3n olvidado del s\u00f3tano, encontrarse con \u201c\u00e9l\u201d de repente transmit\u00eda tristeza. Entre Maurizio Cattelan y la cr\u00edtica hist\u00f3rica, la misteriosa artista de origen pakistan\u00ed Huma Bhabha intrig\u00f3 al espectador con una escultura que parec\u00eda ser un musulm\u00e1n orando cubierto con un pl\u00e1stico negro, guardando el significado y la forma de lo que hab\u00eda debajo y ense\u00f1ando solo las manos extendidas. Resulta prometedor que su obra no se parezca a nada de lo que hemos visto.<\/p>\n

Por su parte, la escultura de Wade Guyton rehace \u2013literalmente\u2013 la historia del arte. Su obra en la exposici\u00f3n era una silla de Marcel Breuer transformada en escultura minimalista, y su trabajo referencia y usa a maestros de la modernidad como Mies van der Rohe o Moholy-Nagy. Dentro de esa pauta, el escultor mexicano Jos\u00e9 Le\u00f3n Cerrillo repasa el minimalismo, pero con respeto, en una escultura austera y oscura que recuerda a Tony Smith. Las delicadas pero s\u00f3lidas y arquitect\u00f3nicas esculturas del esloveno Tobias Putrih desaf\u00edan el espacio en que son expuestas y la idea de los materiales, relacion\u00e1ndose con F\u00e9lix Gonz\u00e1lez-Torres como lo hace Carol Bove con su po\u00e9tica cortina de cuentas y estanter\u00edas construidas llenas de objetos personales. <\/p>\n

King y D\u00edaz de Le\u00f3n trabajan juntos en v\u00eddeo y m\u00fasica. Su hipn\u00f3tico v\u00eddeo de ritmo r\u00e1pido combinaba m\u00fasica para cuerda con electr\u00f3nica de \u00faltima generaci\u00f3n al estilo de Doug Aitken, en un enfoque tecnol\u00f3gico alucinante que fue una de las sensaciones de Greater New York. Otro videoartista sobresaliente era el alem\u00e1n Christian Jankowski, no emergente en tanto que ya sobresali\u00f3 en la Bienal de Venecia 1999, comisariada por Harald Szeemann. Su pel\u00edcula, llena de las ficciones conceptuales y realidades desconcertantes que caracterizan su trabajo, fue sin duda el m\u00e1s profesional y completamente desarrollado proyecto de los presentados en el ps 1 . Le sigue de cerca Leo Villareal, otro artista muy maduro cuyo arte de luz y atm\u00f3sfera muestra una intensa similitud con Dan Flavin que es a la vez bendici\u00f3n y desgracia. <\/p>\n

Justin Lowe recurre a la manualidad, pero lleva el m\u00e9todo de \u201ctijeras y pegamento\u201d a la dimensi\u00f3n de gran arte. Para Greater New York hizo un tipi con remiendos al que pod\u00eda accederse y que pod\u00eda ser habitado; para el vecino Sculpture Center de Nueva York fabric\u00f3 un t\u00fanel construido con telas ra\u00eddas. Ambas son obras interactivas en la tradici\u00f3n de Bruce Nauman, que piden ser exploradas y hacen al espectador parte de la pieza. En un tratamiento similar del trabajo manual, el japon\u00e9s Yuken Teruya ofreci\u00f3 una de las propuestas m\u00e1s vigorosas en el ps 1 : una selecci\u00f3n de bolsas de compra de marca hechas a mano y expuestas en estanter\u00edas imitando el escaparate de una tienda cara, pero con McDonald’s entre las marcas y \u00e1rboles en miniatura dentro de las bolsas. El papel pintado hist\u00f3rico de Kent Henricksen present\u00f3 con humor tipos extra\u00eddos de la pintura de g\u00e9nero francesa del siglo xviii cubiertos con capuchas, transform\u00e1ndolos as\u00ed en practicantes pervertidos de sexo sadomasoquista. <\/p>\n

La pintura est\u00e1 viva y coleando, tan popular como el dibujo y otros medios tradicionales. Ryan McGinness es uno de los artistas favoritos en este medio, un notable pintor cuyas grandes formas abstractas en las paredes rodean al espectador como un Sol LeWitt \u00e1cido versi\u00f3n 2005. Kelley Walker trabaja bajo la favorable sombra de Andy Warhol, tratando temas de muerte, desastre, abuso social y racismo (sus interpretaciones pict\u00f3rico-fotogr\u00e1ficas con spray de las Race Riots <\/em> de Warhol son arte de primera clase). La alemana Nina Lola Bachhuber se especializa en el dibujo, un medio popular entre los artistas \u201cemergentes\u201d de Nueva York. En tinta y papel, sobresalen sus exquisitas series de dibujos que recuerdan al rojo y el surrealismo de Louise Bourgeois. Los murales de Nicola L\u00f3pez siguen una tradici\u00f3n reciente de pintura abstracta explosiva e imaginativa lanzada a la fama por Matthew Ritchie o Julie Mehretu. Dana Schutz, involuntaria conductora de esta mirada cr\u00edtica colectiva, es, por supuesto, el m\u00e1s famoso producto de Greater New York. Su estilo expresionista, gr\u00e1ficamente colorista y ligeramente na\u00eff <\/em> tiene muchos seguidores. Yo no logro ver nada positivo en su arte; la acogida que el mundo del arte ha ofrecido a esta pintora me parece inexplicable, probablemente solo una moda. Publicitado con exageraci\u00f3n e hinchado, su enorme lienzo Presentation <\/em> parece fuera de lugar en el moma, forzado a estar all\u00ed y sin poder encontrar su lugar entre obras maduras de arte contempor\u00e1neo. Del mismo modo que el Museum of Modern Art, hermano mayor del ps 1 , ha dictado tradicionalmente la historia y direcci\u00f3n del arte establecido, el que una vez fue Contemporary Art Center independiente de Queens act\u00faa ahora como gu\u00eda telef\u00f3nica y biblia de las tendencias \u201cemergentes y a punto de ser absorbidas\u201d antes de pasarlas a Manhattan, donde el moma las convertir\u00e1 en corriente dominante y digerible.<\/p>\n

La historia de Dana Schutz con la que he empezado y acabado este texto es el \u00faltimo y agudo ejemplo de esta costumbre, y no es sorprendente que los artistas m\u00e1s interesantes que trabajan en Nueva York actualmente sean, con excepciones, aquellos que o no est\u00e1n todav\u00eda en la colecci\u00f3n del m o ma o son menos conocidos que muchos de sus compa\u00f1eros. Aquellos, en fin, no inmersos por completo en la maquinaria corporativa del mundo del arte de Nueva York. <\/p>\n

From radical to mainstream – Bruno LeMieux-Ruibal<\/b><\/p>\n

The story of Dana Schutz (1976): Michigan-born and recent graduate of the renowned Columbia University mfa , she painted her monumental Presentation <\/em> (2005) thinking of her forthcoming inclusion in Greater New York 2005, the mega survey of new art made in and around New York organized by ps 1\/ m o ma, which took place from March to September of this year. Curators made her and her expansive canvas the centrepiece of the show; she was loved by almost all the critics that furiously trashed, en masse, the exhibition as a whole. Big, powerful collectors gave the painting to m o ma . Seven days before Greater New York 2005 closed at ps 1 , Dana Schutz’s Presentation <\/em> ended its rite and process of assimilation into the corporate art system when it was whisked, physically and symbolically, from Long Island City (home to ps 1 ) to Manhattan (home to the almighty m o ma ) to be exhibited for nine months as part of Take Two <\/em>, the second instalment of the Modern’s contemporary collection. The opening she left at the Greater New York show was filled by another big-size canvas lent by a prominent collector and supporter of young artists, also a trustee of the Museum of Modern Art. Dana Schutz still lives in the same studio in Far West Harlem, rejecting the lure of blue-chip galleries desperate to sign her up. Twelve of her paintings are part of the Saatchi Collection in London, exhibited as part of the in-progress series The Triumph of Painting <\/em>. <\/p>\n

Dana Schutz’s life and art, readily prepared for, and instantly absorbed by, an insatiable market that is constantly looking for new fresh young artists, are the perfect embodiment of not only the kind of artist living and working in New York nowadays, but of the art world we are living in (the famous and sought-after painter Julie Mehretu, also a Harlemite, was the protagonist of an identical story, from her discovery in the first edition of Greater New York in 2000 to her appearance at the new m o ma , although her assimilation took longer). <\/p>\n

I tend to compare, probably in an unfair manner, the New York we live in today with the New York of the late sixties and early seventies. Conceptual, Minimal and Land Arts, among others, where born from intelligent artists prone to discuss, write about and be thoroughly engaged in the arts. \u201cArt\u201d conceived as a means of expressing the inner self. The 1970s saw a broken city that bordered ruin and self-destruction due to a severe fiscal crisis but whose art community (like never before or after) was more alive and exciting than ever. What mattered were art and ideas, not looks and social connections. Everything seemed possible: among the dilapidation and lack of money there was an abundance of creativity and neighbourhood\/artist activity. Still in the eighties, the epoch of Reaganomics, Wall Street frenzy and rampant capitalism artists were trying to keep a haven of artistic creation, around the East Village neighbourhood of Manhattan, unaware of the mainstream politics of market and money. <\/p>\n

They all got absorbed too, and those who did not pledge to the rules of the commercial art world simply disappeared. <\/p>\n

It should not, then, come as a surprise or a scandal that the young artists working in New York today are but mirrors and reflections of their times. If as German artist Wolf Vostell said, \u201cart is life, and life is art,\u201d the most recent batch of artists are responding to a very hyped-up era of heated money, a hungry market, lust for young blood and a desire for instant fame and a profitable career. Where Gordon Matta-Clark and his peers in the seventies created revolutionary art out of the market and in a city menacing physical and mental ruin, the artists of the new millennium are working within, for and because of the market in a city that stands proud and looks fabulous, where the rich are richer and the poor are poorer than ever and the middle class left long ago to move to the suburbs in New Jersey. Manhattan sometimes appears on the verge of becoming an expensive shopping mall for the high classes. The 70s SoHo this is not. Although New York is an ever-evolving place where hardly anything stays the same and longing for the past makes less sense than elsewhere, the current burden the market is posing for art and artists is reaching levels of suffocation (and therefore seems about to burst and settle down) . <\/strong><\/p>\n

For many, most of the artists working in New York City now seem to be prefabricated clones. They all want to be \u201cartists,\u201d rich and famous; they want to get invited to places, show fast, sell a lot and get a deal with a Chelsea gallery. They are signed up by galleries and bought (in more than one sense) by collectors well before being fully trained, or mature even, and then by the museum. In our present madness for everything young and supposedly cool, agents for anxious galleries, collectors and museums seek anxious-to-break-through students at the mfa programs and exhibitions of America’s Ivy League universities. You could say they spot each other, they know they want and need one another. The dealer and the artist, often both as young and ambitious as each other, professional like Wall Street investors, perhaps even both graduated from the same college(or about to), one from the mfa , the other from the mba . They work together. <\/p>\n

The first Greater New York exhibition, organized in 2000, required participating artists not to have had a solo gallery show. The 2005 makeover at ps 1 set as its main condition that artists were to have \u201cemerged\u201d since the first presentation in 2000. This \u201cemergence\u201d means, in terms of a bubbling, bursting market, exactly the opposite of the 2000 exhibition premise: most of the 167 artists exhibited in Greater New York 2005 have gallery representation. An artist like Ryan McGinness has not one but five galleries in four countries, including Spain. <\/p>\n

Those artists in Greater New York whose label was not \u201ccourtesy of the gallery\u201d were \u201ccourtesy of (an influential) private collector,\u201d and very few were \u201ccourtesy of the artist.\u201d Therefore it is not strange, but it certainly is dispiriting that out of over 2000 artists who submitted work in a free-for-all call, the curatorial committee of the show picked mostly \u201cknown,\u201d established creators, rejecting and dismissing those with submissions, hopes and no connections. The ones who made it to the show have not only got gallery contracts, as aforementioned, but also exhibitions celebrated in museums and biennials around the world and articles and covers in magazines (although, at the same time, many of them are still in school). <\/p>\n

How \u201chealthy\u201d is it to be bought by and shown at m o ma when you are only 27 years old or younger? <\/p>\n

Furthermore, and totally not by chance, Greater New York opened to coincide with the art fairs staged in March in New York. In fact, the exhibition felt much like an art fair, although it ran on for a longer period. A tidy and professional event for collectors to pick and tastemakers to decide who will rule and become famous, which was also a generally boring and predictable affair, except for a handful of unexpected artistic rewards. Indeed, the \u201cemerging\u201d New York art on show in Greater New York most tragically failed to be exciting, or emerging, or even \u201cyoung\u201d. <\/p>\n

Another of the deceptive and ultimately false premises of young art in New York is New York itself. New York art? This show could have been staged in Buenos Aires, Tokyo, Paris or Berlin (yet probably not in Madrid), and these artists could be working, and are working, around the world, in many cities. There is no \u201cNew York art\u201d understood as a group of artists who work together, inspired and influenced by the city of New York. What we have is a lot of artists working in the same city, without really sharing any common themes or getting together to work on collaborative efforts. Individualism, isolation, competition: \u201cSuccess is a job in New York,\u201d said Andy Warhol, and the city is no longer an embracing force as it was for Matta-Clark in SoHo or Kiki Smith in the East Village. There was a sense of place back then, a consciousness of being an artist in the greatest city in the world. The Greater New York exhibition left some in the art world suspecting young artists today live here because this is where the market, dealers and galleries are: profiting from the city probably not artistically but merely in an economic, professional manner. <\/p>\n

Nevertheless, the true diversity of these young artists is remarkable. The new generation working in New York City is not exclusively American; nowadays these artists are from Germany, Mexico, Pakistan, Slovenia, Ethiopia and from just about every corner of the globe. <\/p>\n

Regarding the artistic themes treated by the \u201cemerging\u201d artists in New York, the lack of involvement with the real world, with politics and with events surrounding our society is almost shocking. These artists seem to be stuck in their worlds of happiness and adolescent fun, reflecting a \u201cjoie de vivre\u201d that may just be a reflection of their lives: fashionable, young successful artists with no preoccupations other than having fun and enjoying themselves. For working a city that is only just getting over the devastation of the September 11 attacks in 2001, is periodically put under fear and alarm of supposed terrorist threats and is living under the ever-present difficulty of being a massively Democratic enclave within an increasingly Republican nation, the artists participating in Greater New York proved to be largely oblivious to thorny issues like politics and society. <\/p>\n

This kind of joyful artist that ignores politics and current events follows the widely popular path of hedonism, silliness, teenage vacuity and childish fun, representing ninjas, aliens, Vikings, weird creatures (Yetis were popular at the show) and other topics of a tv – and Pop-based culture. They also recreate themselves in the \u201cbeing young and playful,\u201d basing their work on the adolescent body, mind and hobbies, showing an alarming lack of depth and ultimately failing to transcend. Another direction for the non-historically-conscious young artist is the focus on craft: constructions in paper and wood resembling a school contest or a fun class for kids. This \u201cscissors and glue\u201d hand-made art surely requires skills in cutting-and-pasting, but unfortunately the resulting works reveal little else than an elaborated surface. <\/p>\n

Some of the craft-inane artists are worthy of being mentioned: Ryan McGinley, not crafty but positively empty, was the youngest artist ever to be awarded a solo exhibition at the Whitney Museum of American Art in New York (his first European show is being held this fall at the musac in Le\u00f3n, Spain). His photographs of young, drugged friends and \u201cyouth culture\u201d in the Lower East Side of Manhattan follow the path of Nan Goldin in the 1980s East Village or Wolfgang Tillmans in London and Berlin in the 1990s, contributing nothing new or challenging to a well-worn style of home-made Polaroids. Ian Burns exhibited what was possibly the most popular piece among the youngsters visiting Greater New York. The Epic Tour <\/em> is a wooden circuit with a cabin the spectator can ride in. Visitors enjoyed it, but for the art critic it was hard to see anything beyond \u201cthe wow factor.\u201d Jen DeNike’s double video of teenagers frolicking in a yard was perplexing in its vacuity. Saya Woolfalk was given a whole room to install her art \u2013a series of puppets, hand-made dolls and pop imagery that supposedly addressed race and gender issues; the transcendence was missing and the room just looked like a playroom. The irritant Peter Caine laughs at everyone and calls himself an \u201cartist\u201d knowing it will anger us. His tableaux <\/em> starring oversized ugly puppets made of objects trouv\u00e9s have a lot of the sickness of Paul McCarthy and the absurdity of Jake & Dinos Chapman; their total lack of meaning except the pure annoyance could be a Dada effect and his attitude of \u201cI’m not artist\u201d might be taken as a necessary slap in the face for the art circus, but ultimately this is art probably and only because it has been sanctioned as such by dealers, collectors and, now, also by curators. <\/p>\n

Conversely, a surprisingly sound number of artists showing maturity and an appropiationist reference, respectful or facetious to history and art history, stood out from the Greater New York crowd. This set of young creators work in a variety of mediums, primarily sculpture but also installation, painting, video and photography, far from playful trivialities and addressing serious matters without being repetitive or dull. Graduated, like the crafty bunch, from the nation’s most prestigious universities, these important artists have taken a radically different approach to making art and being an artist today. Their art is of great consequence and impact, it is appealing and stimulating, ambitious and disturbing, it makes sense. <\/p>\n

Among these artists, Banks Violette stands out with little effort as the most important young creator of our times in New York and well beyond the city. The sculptures included in Greater New York, where he was given a whole room and was critically praised, were a gathering of references to art history that were also innovative and fresh. In the sleek black surfaces of his polished metal sculptures that mirror the viewers, the influences of Gerhard Richter, Frank Stella or Robert Smithson could be noted. Minimalism and Modern Masters, but also Gothicism, darkness and youth subculture, in that astonishingly solid mixture of High and Low Banks Violette masters. <\/p>\n

British artist Adam McEwen’s powerful conceptual work is only second to Violette in artistic soundness. In painting, sculpture or photography, McEwen questions, works and reworks history, using everyday materials and far-reaching echoes of John Baldessari, On Kawara, Richard Prince and F\u00e9lix Gonz\u00e1lez-Torres. At the Greater New York show he presented an enlarged, inverted version of the famous photo of Benito Mussolini and Clara Pettaci hanging dead in a Milan public square. Dramatic and energetic, the bodies acquire a living dimension, disturbing the viewer. Performance artist Clifford Owens executed his piece for Greater New York only a limited number of times over the almost six months the exhibition was on show. Hidden in a small room, the public directed him to do things in his \u201ccell\u201d \u2013the room as it was left after the performance was part of the piece, and, in truth, crawling inside it and finding detached walls, scratched floors, debris and signs of violence made a strong impression. Marina Abramovic, G\u00fcnter Brus and the Wiener Aktionismus could be easily perceived as references, but probably not by an American public not used to Body Art. The fact that this European-rooted visceral art comes from an African-American artist makes Clifford Owens a very uncommon artist, one to watch closely. <\/p>\n

Mike Bouchet is also art history-conscious, but very American. His eccentric, grandiose socio-artistic projects have an eye on history and politics, halfway between Chris Burden and Santiago Sierra and are, eventually, silly and humorous; his reworking Walter de Maria’s New York Earth Room <\/em> with Home Depot soil in an era of corporate brands and malls is a good example. Deceptively crafty and adolescent, without out being that at all, Marc Swanson deals with isolation and fear in sculptures of animals recalling Bruce Nauman. For Greater New York he hid an unhappy, lonely Yeti in the ps 1 boiler room. Tucked in a forgotten corner of the basement, suddenly stumbling upon \u201chim\u201d conveyed real sadness. <\/strong>Between Maurizio Cattelan and historic critique, the mysterious Pakistan-born female artist Huma Bhabha intrigued visitors with a sculpture that appeared to be a praying Muslim covered in black plastic that guarded the meaning or actual shape of what was underneath, showing only two outstretched hands. It is promising that her art looks like nothing we have seen before. Wade Guyton’s sculpture\u2013literally\u2013 reworks art history. He had a Marcel Breuer chair mutated into a minimalist sculpture, and his work has referenced and used Modernist masters like Mies van der Rohe or Moholy-Nagy. <\/strong>In the same vein, Mexican sculptor Jos\u00e9 Le\u00f3n Cerrillo <\/strong>reworks Minimalism, only respectfully, with a black, austere sculpture that is reminiscent of Tony Smith. The delicate-yet-solid, architectural sculptures by Slovenian-born <\/strong>Tobias Putrih <\/strong>challenge the space they are placed in and the idea of materials, bearing a likeness to F\u00e9lix Gonz\u00e1lez-Torres, as does Carol Bove <\/strong>with her poetic beaded curtain and constructed shelves, full of personal objects. <\/p>\n

King & D\u00edaz de Le\u00f3n are a collaborative duo who work on video and music. Their hypnotic fast-paced video combined music for strings with cutting-edge Doug Aitken-style electronics, in a mesmerizing approach to technology that made it one of the sensations of the exhibition. Another noteworthy video artist was German creator Christian Jankowski, not an emerging artist for he excelled at the Harald Szeemann-curated 1999 Venice Biennale. His movie, full of the conceptual fictions and confounding realities that characterize his work, was undoubtedly the most professional, fully-developed of those presented at ps 1 . Leo <\/strong>Villareal, another fully-grown artist, follows closely behind. His art of light and environment shows a strong similarity with Dan Flavin, which is both a blessing and a curse. <\/p>\n

Justin Lowe <\/strong>uses a craft approach but takes the \u201cscissors and glue\u201d method to the dimension of high art. For Greater New York he made a \u201ctipi\u201d out of cut-and-sewn patches that could be accessed and lived in, and for the nearby Sculpture Center he created a tunnel constructed with worn-out cloths. Both are interactive pieces in the spirit of the early Bruce Nauman, encouraging exploration and engaging the viewer, making the public part of the piece. In a similar treatment of crafts, Japanese artist Yuken Teruya offered one of the most compelling pieces at ps 1 , a selection of handmade brand-name shopping bags displayed in shelves mimicking the window of an expensive store, but with McDonald’s among the brands and miniature trees inside the bags. Kent Henricksen’s historical wallpaper humorously presented individuals from the eighteenth century French genre painting wearing hoods, transforming elegant ladies into perverted practitioners of sadomasochistic sex. <\/p>\n

Painting is alive and kicking, as popular as drawing and other traditional mediums. Ryan McGinness is one of the most favoured artists in this field, a remarkable painter whose large abstract forms painted on the walls embrace the viewer like a Sol LeWitt-on-acid creation, 2005-version. <\/p>\n

Kelley Walker <\/strong>works under the positive shadow of Andy Warhol, dealing with death, disaster, social abuse and racism (his painterly photographic\/sprayed renditions of Warhol’s Race Riots <\/em> are first-class art). German artist Nina Lola Bachhuber is one of the young artists specialized in drawing, a popular medium among up-and-coming artists in New York. She excels on ink and paper her exquisite series of multiple drawings are reminiscent of the red and surrealism of Louise Bourgeois. The murals by Nicola L\u00f3pez follow a recent tradition of imaginative, explosive abstract painting made famous by the likes of Matthew Ritchie and Julie Mehretu. Dana Schutz, <\/strong>involuntary conductor of this critical survey, is, of course, the most famous product of Greater New York. Her expressionistic, shockingly colourful and loosely na\u00efve style of painting has many devotees. I fail to see anything positive in her art \u2013I find the acceptance she has had in the art world inexplicable, probably just a trend. Hyped and bloated, her huge Presentation <\/em> looks out of place at m o ma , forced to be there but not finding its place among mature contemporary art works. <\/p>\n

Just as the ps 1′ s big brother Museum of Modern Art ( m o ma ) has traditionally dictated the history and direction of established art, now the once-independent Contemporary Art Center in Queens acts as Phone Book and Bible of the \u201cemerging-and-soon-to-be-engulfed trends\u201d before passing them on to Manhattan, where m o ma will turn them into digestible mainstream. The Dana Schutz story with which I have begun and finished this piece is the latest and most acute example of this practice, and it is not surprising that the most interesting artists working in New York are now, with exceptions, those who are either not yet collected by m o ma or are less known than many of their peers. Those, thus, who are not yet fully submerged in the corporate machinery of the New York art world. <\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Autor: Bruno Lemieux-Ruibal Revista: L\u00c1PIZ Revista Internacional de Arte n\u00ba 218 De radical a lo establecido – Bruno LeMieux-Ruibal Veamos la historia de Dana Schutz: nacida en Michigan en 1976 y reci\u00e9n graduada del afamado M\u00e1ster de Bellas Artes de Columbia University, pint\u00f3 su monumental lienzo Presentation (2005) pensando en su inclusi\u00f3n en Greater New […]<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":0,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"_acf_changed":false,"footnotes":""},"categories":[10],"tags":[444,351,400],"class_list":["post-46187","post","type-post","status-publish","format-standard","hentry","category-articulos","tag-arte","tag-articulo-html","tag-lapiz-revista-internacional-de-arte"],"acf":[],"_links":{"self":[{"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/46187","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=46187"}],"version-history":[{"count":1,"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/46187\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":48412,"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/46187\/revisions\/48412"}],"wp:attachment":[{"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=46187"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=46187"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"http:\/\/formacionsimple.com\/revistasculturales\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=46187"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}